“Notes de París”: més de dues visions

Centelles. El Centre d’art el Marçó vell de Centelles ha acullit fins el 19 de març l’exposició “Notes de París”, que reunia fotografia de Joan Pujol-Creus feta a París, fa set anys. El  contingut de  la mostra es pot recuperar en el catàleg editat per la Fundació Josep Pla, el 2014.

El fotògraf centellenc, sent a París durant uns mesos va estar fotografiant pels carrers. I també va trobar el text “Notes de París” de Josep Pla, qui el 1920 hi va iniciar una estada com a periodista de “La Publicitat” . Mentre cobria les notícies, prenia apunts que varis anys més tard reuniria dintre el volum IV de les seves Obres Completes.  Pujol-Creus va veure que d’una manera o altre resseguia les paraules de Pla i es va proposar subratllar les coincidències. La seva “descoberta” literària va atreure atenció dels responsables de la Fundació Josep Pla i es va muntar una exposició que posa de costat text i imatges.

En la nostra primera crònica, a Palafrugell, ens vam fixar sobretot amb les imatges. Ara, a Centelles, les tres visites han anat motivades per la lectura cada cop més absorbent del text de Pla.  Cada cop estic més segur que les fotos de l’exposició són difícils de mirar: són petites i la seva qualitat visual té un to fosc, que és molt millor en l’edició de les mateixes en els catàlegs. En els llibrets les imatges, si no són més grans, la llum té més poesia.  També crec que és una pena que el llibret-catàleg que van publicar la fundació de Palafrugell tingui les imatges reproduïdes literalment sobre el text de Pla i no s’aprofiti per reeditar tot el text amb les imatges, ben maquetades. La lectura tranquil·la del text –a casa o al cafè-, amb el complement de la proposta visual és de fet la millor manera de gaudir d’aquests treballs i és una llàstima i una oportunitat perduda que l’una tapi a l’altra.

Anar a París

Em falta molt per acabar el text, però de moment ha permès descobrir bé l’escriptor, aprendre coses noves de París i anar matisant la relació que Pujol-Creus estableix fotogràficament amb el text.  Ara mateix crec que la coincidència entre unes i altres “notes” és paral·lela. Pla es fixa amb moltes coses i les escriu. És un gran observador de les persones i els seus ambients. I de l’ambient humà urbà.

Pujol-Creus, crec que d’entrada li interessava més la llum i temes atmosfèrics i que a mesura que va anar passejant i també descobrint el text va anar “localitzant” alguns dels ambients o descripcions. Però la relació no és ni mimètica ni profunditzada. Crec que la part fotogràfica és sobretot un experiment: intenta evocar o suggerir.  Hi trobo a faltar llocs o plantejaments concrets que cita el text, com L’Escola de Guerra, la idea dels espais urbans dels bulevards, una imatge més “antropològica” de les gents. Qüestions climatològiques sí que estan ben representades. Ara bé, per exemple,  per Pla és una descoberta  els “hotels”, que anomena “hotel meublé”. Una novetat per ell i ens descriu els interiors de les habitacions o les recepcions amb recepcionistes d’ofici estrany, amb els armaris per les claus i les cartes, al darrera. Aquí les fotos es limiten a fores amb rètols “hotels”, com si tot el demés  es podés donar per suposat. Veiem, això sí, restaurants d’aire romàntic amb les finestres amb cortines.  No obstant, en general, tot plegat em sembla més un treball d’estil fotogràfic que un monogràfic impregnat de Pla.

Sempre ens quedarà anar a París per revisar les “notes”. L’exposició ha acabat el dia de Sant Josep.

 

Altres consideracions

Per que, el que sí, fotos i text animen a fer és una bona expedició a París. D’altra banda és molt divertit correlacionar el text de Pla amb dades històriques de coses que descriu: com la biografia de Max Lander a qui es va trobar en un sopar, junt amb la seva parella, uns anys abans que tots dos es suïcidessin. Pla fa una crítica lacònica del còmic francès, comparant-lo amb un més afortunat i preparat Charles Chaplin. Sembla ser que Pla va arreglar el text parisenc anys després a l’estada i això fa dubtar de en quina mesura les observacions són més o menys genuïnes o matisades pel temps. A vegades en el text, per exemple, té en compte  que hi hauran altres guerres, però tot i això és interessant l’opinió que fa de personatges com aquell actor, o en una altra ocasió, de Picasso (el 1920, ja reconegut, però abans del “Guernica”).

També podem nosaltres correlacionar les observacions i descripcions de Pla amb les d’altres que com ell eren a París al mateix temps. Hi havia molts catalans a París, a aquella època: entre els artistes, Togores, Joan Miró, Francesc Domingo, Llorens Artigas, Joaquim Sunyer, Josep Maria Junoy. El seu amic el dibuixant Pere Ynglada també té un llibre de “Records i opinions” (Editorial Aedos, Barcelona, 1959) i el xilògraf Enric-Cristòfol Ricart també té unes “Memòries” (Parsifal Edicions, escrites cap als anys 30, publicades el 1995). Tots tres i d’altres van coincidir a París,  eren col·legues, bons amics i en els llibres parlen de tot el que els hi cridava l’atenció com a persones i segons els seus interessos. Per ells, pel seu grup, París era anar com a una terra promesa de llibertats i oportunitats, on ja havien sembrat amb èxit els rusiñols i picassos. Però ells hi van just quan s’havia acabat la Primera Guerra Mundial, esdeveniment que trastoca la mentalitat de tot. Som els anys 1920-21. Són els anys de les avantguardes. El 1929 hi haurà el Crack del 29. Nova York acabarà guanyant la capitalitat artística.

Pere Ynglada era català, però nascut a Cuba el 1881. Abans de passar per París ja havia estat  a Nova York i Londres. A França, abans de l’arribada de Pla, ja feu de reporter voluntàriament durant la Gran Guerra i arribà anar al front de les trinxeres per documentar les seves notícies. En el seu llibre parla de Pla, com el seu amic “simpàtic i somrient” (p.89), corresponsal de “La Publicitat” i que l’havia ajudat en organitzar el Saló de Tardor, del 1920, en que a París hi exposaren diversos artistes catalans, manera com es  refermava el vincle entre París i Barcelona. Tal i com també comenta més genèricament Pla (P.86-87), una de les llibreries que visita amb Ynglada, està situada al bulevard dels Italians, és la Llibreria Floury. Pla recorda que Ynglada coneixia a un tal Théodor Duret, biògraf dels artistes impressionistes, coneixença que Ynglada, amb admiració i curiositat explica des de la seva òptica (pp. 85-88). Ell recorda que va arribar a intimar amb Duret, fins al punt d’anar a casa seva, per parlar dels seus records d’amic dels impressionistes com Manet i la seva admiració per l’art japonès o Marià Fortuny (com artista important, que també havia passat per París).  Ynglada no és tant famós com Pla, però el seu nom perdura amb el concurs internacional de dibuix Ynglada-Guillot, instituït després de la seva mort, per ordre expressada en el seu testament, tal i com recull Carles Soldevila, en el llibre de les “opinions” d’Ynglada que va ajudar a publicar.

En tots aquests apunts dels catalans de París abunden les notes d’opinió sobre els seus paisans, siguin o no amics. Pla opina sobre tots. Però qui també fa un repàs agut de Pla és el xilògraf Enric-Cristofol Ricart. Pla també es refereix a Ricart en el seu text en diverses ocasions, com quan es trasllada a l’Hôtel de Nantes (p.60-61) on Ricart l’ajuda a instal·lar-si. De Pla escriu, per exemple, que: “escrivia fins a la matinada, sovint fins al matí i no s’espavilava fins a mitja tarda després d’haver pres un café-natura…”. I “no portava pressa per a res, aparentment”. “Els xecs de La Publicidad… el turmentaven una mica per la seva mesquinesa i irregularitat del cobrament”. Li critica certa falta de criteri d’expert en temes d’art, la seva obsessió pel barret fort , etc.

Encara no hem trobat en el text de Pla la referència al cafè de La Rotonde que en la fotografia de Pujol-Creus surt retratat pels neons.  Però en canvi sí que és un lloc que Ricart en parla molt  bé en les seves memòries. Allà és on parava tot tipus de gent que anava a París per intentar guanyar-se la vida. Els artistes aleshores ja formaven part del paisatge habitual, encara amb l’àurea dels bohèmis que buscaven el talent i el reconeixement.  Allà hi anaven –quan Ricart també hi era-, Picasso, Utrillo o hi trobaven l’artista japonès Foujita.

“Les notes de París” de Pla són una finestra important a aquell període apassionant per a la cultura. Les fotografies de Pujol-Creus evoquen una idea de ciutat que potser ara s’ha diluït en el nostre temps més “modern” en tot. Ara, no érem postmoderns?

Sok Kan Lai, el dibuix de la vida

  • L’artista presenta una nova col·lecció de dibuixos i aquarel·les de natures mortes a Sant Cugat. Vam poder parlar amb ella sobre la seva obra i el seu procés. El 25 de març conduirà una visita pública per la mostra de la Galeria.

10_-gafas-vino-y-frutas-2016 Sant Cugat del Vallès/ Centelles. Fa onze anys vam publicar una crònica al diari sobre l’exposició de Sok Kan Lai a la galeria Llucià Homs de Barcelona. Han passat els anys, algunes coses han canviat. Ara Sok Kan Lai torna a exposar una nova fornada de dibuixos i aquarel·les. Una vintena d’obres de petit i mitjà format sobre paper i cartró. Aquest cop a La Galeria Batlle Argimon de Sant Cugat –Sant Jordi, 14-. No és una artista que faci moltes exposicions,sino que més aviat s’espera a tenir obra a punt. Així que la cita santcugarenca  és significativa.

Nascuda a Hong Kong el 1959, viu des de fa anys al nostre país. Artista professional s’ha guanyat un respecte merescut per una obra en dibuix i aquarel·la que captura composicions de bodegons i natures mortes, amb gran realisme i delicadesa. No ho compararem amb la fotografia,ja que si aquesta no existís –i encara que sigui un recurs de  treball-, s’entendria millor que el dibuix és una construcció manual i il·lusòria per reproduir la realitat. Ella és de les que cerca donar una visió subjectiva, bella i digna. Les xinxetes són amb Sok Kan Lai, no objectes quotidians del despatx, sino materials per jugar amb llums, reflexos i metalls amb una dimensió còsmica.

Petita conversa

d27957Sok Kan Lai és més simpàtica del que pensàvem. I es va prestar, molt amablement, a explicar-nos alguns aspectes de la seva obra. Ens va agradar saber que, tot i que havia fet dibuixos del natural, actualment planteja els temes a partir d’una idea mental. Fa alguns esbossos i planteja la composició fent i retallant fotografies i imatges fins a fixar la que té pensada.  Els objectes estan representants mirant de respectar la seva escala natural. Inicia el dibuix, primer amb el paper pla. En estadis més avançats, dret. Primer ho pot fer amb llum artificial, però quan ho té més plantejat, prefereix la llum natural. Quan treballa amb llapis, la punta cal que li sigui ben afilada, perquè la mina es fiqui a tots els relleus del paper. Si treballa  amb aquarel·la, els pinzells prenen la paraula del llapis i dibuixa i hi pinta.

Obres grises i aquarel·les es converteixen en construccions pacients, que duren molts dies. Pot tenir començats varis dibuixos, que va  continuant a mesura que, després de deixar-los reposar una mica, veu clar com poden seguir. Sok Kan Lai treballa amb un rigor i un gust pel detall com el que precisa un cirurgià  -amb totes les eines disposades i no refusaria un assistent-. Cada part, cada taca, cada guixada és com una peça d’un puzle fet de relacions estrictament necessàries. Cada actuació  determina  el conjunt. Ella, el seu judici, el seu gust, la seva intuïció, li fa explorar o revisar el joc de contrastos:  ho pot acceptar i deixar; o, sinó acaba harmonitzar-ho dintre tot el conjunt. Com un piano ben afinat.

L’explicació del seu treball ens descobreix una persona entregada al seu ofici artístic i també una filosofia de vida. Curiosament no vol situar-se en la posició d’una mestra –ni vol tenir alumnes-,  sinó com una persona que cada dia aprèn del seu treball i que aquest li aporta una gran riquesa. No vol tenir altres obligacions, ni tampoc vol perdre temps amb vida social. Necessita temps pel que realment li importa a la vida, ja que vivim un sol cop i el temps s’ha d’aprofitar. Dissabte de la visita, l’endemà del dia de la inauguració, podia estar a la galeria, perquè, de fet, tenia l’estudi buit i net d’obres. Podia prendre’s el luxe de tornar a començar de 0.  L’exposició també vol una mica d’atenció, que segurament al llarg de la setmana ja l’ha abandonada, moguda per la impaciència d’agafar les eines de nou.

A l’exposició hi veiem molts dibuixos i aquarel·les d’una gran bellesa i qualitat. Però ens centrem en el retrat amb la filla i la morera, fet entre el 1998 i el 2012. Sembla bastant important, perquè resumeix la seva investigació en el dibuix tal i com ens l’ha anat fent conèixer. No sabíem que abans havia fet un altre tipus d’obra amb pintures més grans i amb altres direccions. Aquell dibuix la va anar acompanyant, fins que dibuix darrera dibuix, va anar resolent aspectes i reptes executius. La resta d’obra va sortir com una “conseqüència” i una reacció per explorar nous enfocs, composicions i fer xocar contrastos de llums, tons i matèries. Ara segur que Sok Kan Lai és de les que creu que pot anar més enllà i encara pot donar-li molts més fruits.

Petita ullada:

St Cugat/ Centelles. A la Galeria a part de l’artista i el galerista, també hi havia l’artista Josep Santilari i la seva dona. La presència d’un dels germans pintors quadrava bastant bé amb el tipus d’obra figurativa de Sok Kan Lai, per proximitat amb l’estil, amb el tipus de bodegons, inclús amb el mètode de treball: també dibuixen i fan fotos prèviament abans d’atacar l’obra definitiva. Que  en el seu cas sol ser oli, pot tenir formats més grans quan es tracta dels altres temes  i disposa d’altres secrets de cuina, com pot ser el tema de les grisalles. Una visita lògica i també respectable en la mesura que es tracten tots de bons artistes, amb bases sòlides i recolzats per galeristes.  Santilari va esmentar l’artista modern que potser els uneix a molts: Chardin.

Deixeu-me apuntar que, en un altre moment, o en d’altres artistes com poden ser Serra de Rivera o l’Artigau trobarem altres tipus de pintura més allunyada i inclús violentament diferenciada del que pugui assemblar-se a una fotografia. No obstant per aquest cronista el gust pot ser molt ampli i variat. Importa veure obra “maca” i connectar amb artistes sincers i que fan les coses amb gust, sigui quin sigui la proposta. Entenem bé que en el cas dels artistes aquesta variabilitat tingui un to més limitat i  bel·ligerant en la mesura que l’obra els defineix.

Imatge del conjunt amb la “Magdalena” barroca i els vanitas dels Santilari, en una imatge del muntatge de l’stand al TEFAF de Maastricht on sembla que aquests temes hi tenen bona acollida. Foto: Galeria Artur Ramon

Vam aprofitar per demanar al Santilari com els hi anava tot plegat. Estàvem a l’espera de tenir notícies d’exposicions seves a Londres, que sembla  s’han posposat i de moment resten a l’espera de noves expectatives. L’aventura internacional sembla seguir viva, mentre galeristes com el senyor Batlle confien recuperar el mercat local.

Els Santilari preparaven la seva participació sota el paraigües dels Artur Ramon a les fires de Maastricht i París. En la primera hi portaven una sèrie de “vanitas” que feien conjunt amb una obra barroca, una pintura de Francesco  Trevisani dedicada a una  Magdalena.

Espai d’Art de l’Abadia

Camí aprofundeix en els seus comentaris esculpits

img_2003
Foto: Mireia Ribé “Refugi de l’ànima”, amb cedra del Líban i metalls tractats, cabada aquest 2017.

Sant Joan de les Abadesses/Centelles. Ens  van molt bé les exposicions per prendre el pols a l’art.  A Sant Joan de les Abadesses hi ha el Palau de l’Abadia, adossat a l’antic monestir, que des de fa anys, va proposant mostres individuals dedicades a artistes que podem etiquetar de “selectes”. Entre aquests n’hi anem trobant dels que creiem poden ser petits o grans “trenca-gels”. Creadors en actiu de currículums madurats i sòlids, molts amb tasques docents (faceta que es molt general) i amb cert respecte unànime entre públic i crítica. Fa no molt, allà hi vam veure les primeres obres corals, les “rondes” de gran format de Francesc Artigau. Ara hi ha una exposició d’escultura de Josep Maria Camí.

El rústic claustre de pedra abacial, a nivell d’entrada i a la galeria superior, reuneix  una vintena d’obres amb les que es fa un resum de  l’obra de  Camí, almenys  des dels anys noranta (com “Cresa”, amb ferro i corda, del 1990) i fins ara. Hi ha tres peces pensades i  preparades expressament per a l’exposició, entre  aquestes  la que dóna  nom a l’exposició “Refugi d’ànima”, feta amb cedre del Líban i metalls.

Preguntat directament, Camí confirma que la selecció  de les obres, d’acord amb el historiador i crític d’art Bernat Puigdollers, es fa sabent perfectament on exposava: al monestir  de Sant Joan de les Abadesses,  temple religiós i de cultura. Es curiós com l’esperança o la mort anunciada segons els evangelis pot vestir de visions noves les escultures, algunes de les quals abans havíem conegut en antics  espais romans o en plena Eixample de Barcelona.

campana
Foto: M.R. “Completae”, wenge i metall tractat i campana dels anys 20, obra de Camí, del 2016.

Les escultures de Camí responen a idees concretes  i són de lectura oberta dintre d’un missatge  que es pot captar universalment . Cada cop més les seva intenció, sobretot concretada amb les obres sibíliques del 2006, de conjuminar ètica i estètica s’ha fet més evident en la seva obra, donant obres rotundes i  que eixamplen la idea de “monument”.

En Camí és dels que no es rendeix. Això ho veiem bé en les obres més recents com els llibres de fusta  “Postema Cena” o “Completae” amb la història que  expliquen els objectes litúrgics incrustrats. Les fustes de l’obra de Camí són buscades: wenge per guardar la campana  i freixe pel calze.

Retrobaments

Fa uns deu anys, com a col·laborador a premsa, m’havia referit a l’obra de Camí, per exposicions al jaciment de l’antiga Baetulo i a l’Espai Volart. Aquesta és la del 2006, on apareixen les sibil·les i les obres passen a concretrar-se com si fossin oracles o comentaris rotunds sobre l’actualitat. Gràcies a Mn. Anton Vilarrúbias, ara definim als profetes de debò  com aquells  que interpelen al present,  més que fer prediccions. Les obres de Camí també  s’ajusten a l’ara.  I n’hi ha que per ser la història circular, tampoc no perden “actualitat” , com  passa amb “Rèquiem per Mesopotàmia”, del 2003.

nobels
Foto: M.R. Cedres libanesos, peces d’escultura dedicades a dones premis Nobel, les noves sibil·les per Camí.

Camí  continua amb el gust per acceptar accidents,  fer-nos apreciar la textura i qualitat dels materials. Inclús com intentant  dissimular les seves intervencions sobre els blocs i formes inicials. Això passa també a l’obra “Resurrecció” feta entre el 2010 i el 13, que reuneix altres variants possibles com un  poema de Màrius Sempere.

Certament, si algú està fart de veure  escultures  en rotondes com si fossin  objectes decoratius, en l’exposició de Sant Joan tindreu oportunitat de trobar obra de la que  no deixa indiferent, ja que no surt de l’atzar. No és fàcil posar-les al menjador de casa però acompanyen  mentalment. Perquè responen a idees i voluntats concretes, que són les que  fan que una  obra sigui d’una manera  determinada.

Les intervencions de  Camí són del tipus de ser les “estrictament necessàries  per explicar-se”. Cada obra és una solució i necessita un espai: però a més,  no són tot bloc  treballat, sinó que Camí admet que precisin d’una operació “lògica”,  sempre mantenint-se fidel als seus materials preferits (fusta i metalls): els llibres amb els calzes es poden obrir, la tapa del sarcòfag s’ha de desplaçar,  la llitera de “Resurrecció”  s’articula. I amb això tampoc minimitza el respecte per la naturalitat de les obres, ni vulnera la seva  idea o abandona les seves tècniques  de tall, fossa o soldat.

Aquest comentari sobre l’obra de Camí inclou alguns criteris o consells que són els que explicava als seus alumnes a la Massana. Almenys quan,  fa deu anys, vam anar a entrevistar a un  grup d’alumnes que  intentaven esculpir sense perdre la  referència  al  tronc o al bloc. Aquells alumnes no tenien gens assegurat el seu futur, però els hi deien que fossin constants i sincers, que es dediquessin a  aprendre i a desenvolupar les seves idees i que amb treball i paciència, els resultats ja arribarien per si sols.

No se que se’n deu haver fet d’ells. Tampoc acabo de confirmar quin tipus d’atenció o seguiment tenen aquestes exposicions entre el  públic més sensible a l’art. Però crec que com a visió ètica i proposta estètic, ofereixen  una  proposta vital i engrescadora.